2020年12月4日至6日，由华东师范大学音乐学院主办的首届“对话未来”当代音乐周活动成功举行。受“谭盾未来音乐美学”的影响，“对话未来”当代音乐周展示了华东师范大学音乐学院在现当代音乐创作领域的探索与实践，包括音乐创作美学、音乐创作教学、当代音乐创作与科技之结合、音乐创作中西方观念、中国当代音乐创作思想与理论体系，共同探讨音乐创作在未来人类发展中如何发挥作用，以及扮演何种角色。本次活动由我院吴和坤院长总策划，青年作曲家王青青老师担任执行总监、青年音乐学者王刊老师担任工作小组组长。
在本次为期三天的活动中，我院邀请了中央音乐学院和上海音乐学院的作曲家、演奏家教授们和苏州民族管弦乐团的演奏家，共举办了4场专题讲座、2场极富特色的作曲家圆桌讨论会议、及1场创作成果展示交流音乐会。通过系列活动，与会的师生得以大批量欣赏到平时接触甚微的现当代先锋作品及思潮、了解作曲家创作思路及创意方向，并在与作曲家及演奏家面对面的交流中，解答了不少自身对现当代音乐教学及学习的困惑。观众参与积极、反响热烈。
【开幕式】
华东师范大学音乐学院“对话未来”当代音乐周于2020年12月4日下午14:00在音乐学院525多媒体功能厅拉开帷幕。此次开幕式有幸邀请中央音乐学院徐之彤教授、姚晨副教授，上海音乐学院李博禅老师参与，华东师范大学音乐学院院长吴和坤教授为本次开幕式致辞。
吴和坤院长指出，“对话未来”当代音乐周旨在推动华东师范大学音乐学院学科建设。不论是普通听众，还是音乐专业的学生，聆听当代音乐，或多或少都会面临“听不懂”的难题。吴院长指出，聆听欣赏当代音乐，就像欣赏当代绘画。当代音乐与巴赫的音乐其实有许多共通之处，但现当代音乐中的表现手法、创作理念、以及呈现的形式与十七世纪千差万别，音乐边界在不断拓展，不断增添更多的可能性。作为音乐专业的学生，不论是学习创作、理论分析、还是音乐教育、音乐表演，均要开放眼界，学习接受当代音乐的可能性及多样性。在开幕式的最后，此次音乐周执行总监王青青老师对为期近三天的系列活动进行讲解和介绍。请老师、同学们敬请期待 “对话未来”当代音乐周系列活动！
【讲座系列】
“对话未来”当代音乐周邀请了中央音乐学院著名作曲家唐建平教授、徐之彤教授、姚晨副教授，及低音提琴演奏家陈翰叡、古筝演奏家王于真为师生们带来了4场精彩绝伦且形式多样的学术讲座。
（一）
2020年12月4日下午16:30，“对话未来”当代音乐周的第一场讲座成功举行。本场讲座是由来自中央音乐学院的作曲家徐之彤教授为我们带来的“我的新艺术探索”。讲座内容充实而丰富，涵盖了音乐与文学、绘画、行为艺术等不同的艺术结合的创作新形式。
讲座伊始，徐教授提出：作曲要保持耳朵和眼睛都是新的，思维也要同时保持敏捷与开阔。而在艺术创作中，要不断改变自己，突破自己，不能人云亦云，周围的人做什么，我就不做什么。并且艺术的规格风格不能屈从于市场，主观感受和市场不能错位。
接下来，徐教授引导大家寻求创新的音乐艺术形式，为大家展示音乐与不同艺术形式的交互及融合。徐教授提出“新艺术探索”有两个阶段，第一阶段（初级阶段）为不同艺术形式的融合与拼贴。此阶段主要围绕一个主题进行“被动”创作，包括音乐+文学，音乐+绘画，音乐+时事，音乐+戏曲，音乐+影像，音乐+行为艺术等。在音乐与舞蹈结合方面，徐教授为我们展示了他本人所创作的两种风格迥异的作品：古典舞与传统音乐《醉春风》、现代舞与现代音乐《特洛巴》；而在音乐与话剧方面，徐教授又为我们从作品的设定、受众与表达方式等介绍了作品《倾城》：作品依托张爱玲名著《倾城之恋》，取其精华；用小阵容的表达方式；受众为文艺青年；在小剧场中呈现了一部有戏、有室内乐、有动效、有渲染的音乐艺术作品。徐教授幽默风趣的语言表述使得讲座氛围轻松愉悦。
在第二阶段，徐教授提出作曲家需要进行原一性创作。与初级阶段不同的是，此阶段是围绕一个主题进行“主动”创作。此类创作最初就要将音乐与其他艺术形式同步构思，并为大家介绍了音乐与行为艺术结合的作品《荆轲》以及音乐舞台剧《我，就是我》。在作品《荆轲》中，徐教授另辟蹊径拓展了竖琴的演奏技法，并扩展打击乐器，采用了吟唱+表演的方式，再加上灯光的加持,使作品在构思、音色、音响、色调、情节上达成完整统一。在讲座的最后，徐教授提出：无论形式怎样变化，最终打动观众的，还是要依靠作品中精妙的设计、独特的创意、呈现的魅力与丰富的内涵。本场讲座获得了师生们的热烈反响，在讲座结束后同学们积极踊跃的提问，与徐教授进行深度的交流与探讨。
（二）
2020年12月5日上午10:00，中央音乐学院作曲系副教授姚晨带来了《技术与文化的对位：浅谈我的中西混合室内乐创作》的讲座，作为“对话未来”当代音乐周系列讲座的第二讲。姚晨老师主要从技术到文化的意识、东方文化与西方技术的对位和中西乐器不同时空的角度对其作品进行了解读与分享。讲座特邀了中央音乐学院低音提琴教授陈翰叡、苏州民族管弦乐团青年古筝演奏家王于真进行现场示范。
姚晨教授对混合室内乐的创作源自一次巧合，马友友丝绸之路乐团的琵琶手与低音提琴手邀请姚老师创作的重奏《骏》打开了他创作的大门。在这部作品中，姚教授将低音提琴在演奏法上进行了古琴和二胡演奏效果上的模拟来获得一种中国文化的象征，而和演奏家的交流也使姚教授寻找到了新的创作方向。而在东方文化和西方技术对位的思考上，姚教授通过《婵娟》中创造性的结合了五声性和半音性的方法，来结合两种文化；与此同时，他还通过低音提琴和古筝的乐器特点赋予这首重奏交响性和协奏性的效果，同时这也使得他从重奏的创作走向了独奏。随后，姚教授对三部独奏作品进行了介绍，分别讲述了炫技性在这些作品的体现。在中西乐器以不同时空的角度，姚教授通过乐器的空间、地域的空间、诗歌的空间对《度母化生》、《沧浪·沧浪……》和《劝君更尽一杯酒》进行了精彩的解读，而这些创作也都体现了姚教授的理念：音乐的革命性是给传统新的能量。
最后，讲座以演奏家陈翰叡和王于真合奏的《婵娟》画上了完美的句号。讲座反响热烈，在场的多位教师和学生都对姚老师的讲座和两位演奏家的现场表演称赞不已。姚教授的讲座体现了他对于东西方文化碰撞与融合的思考，也展现出了他独具一格的音乐美学理念，使在场师生受益匪浅。
（三）
2020年12月5日下午 14：00， “对话未来”当代音乐周第三讲于华东师范大学音乐学院350研讨室举行。著名作曲家、中央音乐学院作曲系教授唐建平应邀为在校师生带来《室内乐<玄黄>与民族管弦乐<后土>的创意与技法》的学术讲座。
现代的音乐创作，不仅仅是东西文化的交融，也是古代与现代的交织。唐建平教授认为：作为作曲家，置身于自己的文化根源，总是希望把自己的文化性格与民族特征融化到创作中。这样的创作追求，几乎在每一位中国作曲家的创作中都有鲜明的体现。
在讲座中唐建平教授对《玄黄》这部作品的立意来源、乐队编制、音乐材料及作曲技法进行详细的阐述。并启示我们在中国当代音乐创作时，需要知道中华文化的影响是多元化的，不是表象。在创作中，作曲家需以抽象思维对音乐的意象、所传达的精神内涵进行提取。在创作观念中我们需摒弃“教条式”创作与理性音高逻辑，强调音响结构。随后唐建平教授带领同学领略了东亚特有的诸多乐器并着重欣赏了大型民族管弦乐《后土》。 “后土”其实是一种主观概念，并不是我们脚下物质的大地，而是中国人心目中的大地。它是远古人们生命精神的传承。在唐建平教授的创作中，我们了解了现代多元音乐的元素在作品的运用，领会了当代音乐对社会人文精神的传递，明晰了将传统文化借助现代音乐技术进行的全新诠释……
讲座结束后，唐建平教授对在场同学提出的问题进行了解答。同时提到德国“磁带音乐”带给他对艺术观念与思想的开创。最终讲座在轻松、愉悦的氛围中圆满结束。
（四）
2020年12月5日下午 16：00，著名作曲家唐建平教授为华东师范大学音乐学院带来了第四场精彩的专题讲座：歌剧《拉贝日记》的音乐与戏剧构成。《拉贝日记》也是唐教授近些年的重要创作之一。讲座从历史背景、音乐性与戏剧性三方面展开，在严谨的学术讲解中，唐教授还穿插了片段聆听、剖析与创作过程中逸闻趣事的分享。
首先唐建平教授分享了歌剧《拉贝日记》的创作背景与初衷。这部作品是以“南京大屠杀” 这一沉痛历史题材为内核，歌颂赞美主人公拉贝人性的光辉与大爱，批判、鞭笞邪恶和野蛮的人性耻辱。
其次是从歌剧的音乐方面进行阐述。唐教授根据全剧音乐9个贯穿于戏剧各个场景和音乐各个层面的重要音乐素材进行展开，深刻剖析主题素材特征、主题布局与主题间的转换性与渗透性。9个主题素材虽各有不同，但五度音程的支撑与共同的下行倾向奠定了主题间具有一定的共通性。
如此多的音乐素材如何担负起全剧的戏剧发展呢？讲座进行到下半场，唐建平教授通过歌剧聆听、故事梗概与人物音乐特点描述的方式剖析了主题发展的两条戏剧性线索。其一，是具有小调色彩的毁灭、邪恶、悲剧性线索；其二，是仁爱、光明线索这两条宏观的线索。在铺陈剧情并创造出戏剧矛盾冲突的过程中，以极端的分离或互补、互溶的方式贯穿全剧。当它们的产生排它性戏剧作用后，其自身的艺术价值得以升华和实现。
讲座在《拉贝日记》胜利的“凯旋之歌”中落下帷幕。
【作曲家圆桌会议系列】
“对话未来”当代音乐周为听众呈现了两场别开生面的作曲家圆桌会议。作曲家圆桌会议举办的初衷是邀请作曲家们就当代音乐的一些话题以充满人文情怀的方式在轻松的氛围里呈现。作曲家们可以畅所欲言，而开放的言谈及思想火花的碰撞必将带给师生们不少启迪。
（一）
2020年12月4日下午15:00，“对话未来”当代音乐周青年作曲家圆桌会议在音乐学院350拉开帷幕。我们邀请到了来自上海音乐学院作曲系的李博禅老师，连同我院两位青年作曲教师王青青、哲博共同探讨民族音乐创作。李老师首先为我们介绍了他多年的作品，激发起了同学们对民族音乐作品的强烈兴趣。接下来李老师讲解了由他创作的民族交响史诗《英雄》。作品中选取了中华创世神话中的五位经典人物，李老师向我们展示了《英雄》的整体布局，传递了他亲身创作的思路以及对大无畏革命精神映射到音乐以及乐器之中的剖析。最后，李老师为我们带领我们走进了他的作品《楚颂》，并回忆当时创作的心境：对爱情的美好、干净、真实、纯粹的追求；对英雄执念凛然、从一而终的礼赞。认为在那个与我们差不多大的年纪里创作时，感性重于理性。所以在作品里并没有添加二胡的所谓矫揉的揉弦等方法来诠释爱情，而是运用简单、干净的指法来表现；英雄的赞歌并没有一味地生硬，而是刚中带柔。如此的严谨与细致，才能把《楚颂》这首作品的爱情与英雄主题表达地淋漓尽致！聆听多遍依旧可以让人热泪盈眶！李老师向我们指出随着我们人生阅历的丰富，对事物的理解会有所不同，渐渐地就会转感性为理性，寻找人生以及作曲的真谛。其后，王青青老师就民族管弦音乐创作与乐团合作的经历及哲博老师就民族管弦乐团乐器法等议题与李老师进行了有趣及深入的探讨。12月6日上午9:00，上海音乐学院青年作曲家及教师徐可及刘欢为我院师生展示了他们的近年创作。徐老师的唢呐与交响乐队作品《黄河随想》选用“黄河船夫曲”中音调作为主要创作素材将唢呐富有张力的演奏与交响乐队完美结合，而徐老师的另一部管弦乐作品《天启》表达了他对大自然的敬畏之感，呼吁人类与大自然和谐共处。上海音乐学院另一位青年作曲家及教师刘欢的管弦乐作品《两幅风景画》展示了她将音乐与吴冠中画作结合的巧妙方式及奇妙音响。活动结束后现场师生们反响热烈。
（二）
2020年12月6日上午9:30, 由吴和坤院长、唐建平教授、徐之彤教授、姚晨副教授、徐可老师、刘欢老师、谢承峯教授、王青青老师与王刊老师为我们带来了第二场圆桌会议——《论中外现当代音乐创作及教学的现状》。
会议的第一个议题是有关国内外当代音乐教学的探讨，王刊老师主持。首先由吴和坤院长提出随着当今世界的日益发展，现当代音乐也逐渐呈大一统的趋势，其不再是某个单一流派的音乐，而是世界的音乐。接下来唐建平教授依据其多年的教学经验，强调初学时系统严格的教学体系是必不可少的，唯有长期积累才能够达到“自由国度”，进行自由创作。同时在创作与学习最困难的时候依然坚持不放弃，方能柳暗花明。之后由徐之彤教授简单讲述了中央音乐学院在新音乐教学、创作与综合类大学的异同。相较而言，音乐学院的创作氛围会更加浓厚，并且创作门类也会更加前卫，相较于综合类大学更多教授传统调性音乐，音乐学院更愿意给予学生更多选择。此外，他还提出了一个对华师大这类综合大学音乐学院尝试性建设的可能，即让一部分学生直接接触现代音乐的语汇与现代音乐的思维。最后，他还提到作为教育者的责任，在锻造音乐学习者的熔炉里，需要不断给他们添柴，掌握学生培养的节奏，给他们多元化的机会，加快他们的成长。继徐之彤教授之后，姚晨教授就不同体系与不同类型的学校教学进行了相应解剖，强调不同的学校教学方法也不尽相同，因此需要不断调节自身，去适应环境，学以致用。徐可老师则对美国综合类大学与专业音乐学院进行了对比，两者的专业性都毋庸置疑，只是各自偏重略有不同：前者更注重理论与学术研究，后者则更重实践。同时因为美国大学的学费较为昂贵，同时也促使学生产生更高的学习积极性。之后由刘欢老师为我们介绍了德国的作曲课程，使同学们了解了更多不同类型的课程编制。其后，谢承峯教授以钢琴演奏家的角度，谈论了新音乐的普及工作，及新音乐对音乐演奏者的启示。他提出学习表演的人要勇于接触新音乐，更多地了解当代音乐作曲家的思维，而这些都会帮助演奏者诠释作品。最后王青青老师分享自身在加州大学圣地亚哥分校的留学经历，并提出，唯有打破固有边界，不断挑战，才有可能创造出更符合时代的作品——而这，也正是音乐“对话未来”的无限可能。
第二个论题，围绕当代音乐创作的国内外现状展开。主持人王青青老师首先就“作为中国的作曲家们（世界的中国人、中国的世界人），如何平衡寻找自己的音乐语言及定位”这个问题，向在座的参会嘉宾提问。唐建平教授提出作为一个中国人，成长的路上需要中国文化背景的熏陶，而每个人在创作的时候，不免受到骨子中的审美观念影响，但每次创作其实都是在“对话自己的未来”。徐之彤教授则以傅聪为例讲述了中国传统文化对音乐的影响，提出中国文化根植于中国人的血液之中并总在音乐创作中若隐若现的展现其身姿。最后姚晨教授还补充道，作曲家需要有“反思精神”，主动发现自身问题通常比老师直接指出更加令人印象深刻，姚晨教授还对当代音乐教育的未来提出了美好祈愿。一个半小时的圆桌会议中，学者们宽广的视野、深远的立意、务实的观点碰撞、及迸发的思维火花，让高朋满座的研讨室熠熠生辉，无论是参会的教师还是听会的学生，均能在此获得匪浅的受益。
【创作成果展示音乐交流会】
2020年12月5日晚19：30，华东师范大学音乐学院在音乐厅举办了作曲教师创作成果展示交流会。此次活动上演了三首现代作品，分别是来自我院旅美青年作曲教师王青青创作的《探索心念II》（2020）、《听韵II》（2020，世界首演）和德籍青年作曲教师哲博的作品《远处的三角形——二》（2009）。
《探索心念II》是一部舞台版本的声音装置（Sound Installation）作品。此作是作曲家在美国加州体验Livehouse 和Blackbox 等新艺术场所的艺术作品后结合佛教《心经》所创作。此作受《般若波罗蜜多心经》启发，搭建了一场有关冥想的仪式声景，探讨个体与声景及灵性的关系。此作的舞台设计，其实质是通过视觉层面的效果实现一种心理学上的“联觉”。声音装置为六声道电子音乐，在听觉上实现“空间化”，最终激发听众去思考个人的精神和心念。
《听韵II》是为钢琴独奏与六声道实时电子音乐而作的作品，钢琴部分由我院钢琴演奏家谢承峯教授进行世界首演。该作结合了“声音装置”和音色的探索。作曲家通过在大自然中采集的声音，如风声和流水声，通过电子音乐变形及再创作的手法，结合“预制钢琴”（Prepared Piano）中的独特音响特性，并且借助其它道具（如手镯、项链等），给观众带来了互动式体验，呈现了来自“韵”的一种新表达。谢教授精彩的演绎展现了我院钢琴系教师在现代音乐领域上的演奏实力，获得了师生们热烈的掌声。此电子音乐部分由学院录音技术人员曹政操老师专业操控配合。
音乐会下半场以视频的方式播放哲博老师的早期作品《远处的三角形——二》（共3首）。作曲家受到了西方“七艺”（septem artes liberales）之一“算术”（Arithmetik）、德国数学家、哲学家莱布尼茨（Gottfried Wilhelm Leibniz）的“单子论”（Monade）和文艺复兴作曲家杜费的经文歌《玫瑰在近日开放》的启发。此作包含了施托克豪森“空间作曲手法”（Raumkomposition）和泽纳斯基“随机音乐”（Stochastische Musik）的接受。作品中3台钢琴均采用四手联弹，固定速度贯穿全曲，“空间作曲手法”从两个层面来实现，分别是3架钢琴和4只长笛的演出位置，以及3架钢琴分别在高中低音区构成的多维空间，在这三个音区中，三个音符力度不断变化，这三个音象征着三角形的三个角。作曲家将十二个半音分为三份，第一份3个音，第二份4音，第三份5个音，每一轮过后，分组将按照“随机方式”进行分配。，
此次音乐会是音乐学院建院以来，第一场现代音乐专场音乐会。吴和坤院长给予了高度评价，并指出学院将在未来坚持推广现代音乐的普及工作，让更多的学子走近现代音乐。
【后记】
华东师范大学“对话未来”当代音乐周系列活动已圆满落下帷幕。吴和坤院长闭幕式时提到了“文化属性”的问题。在对话未来的音乐世界中，我们可能将会寻找一个心中的“文化符号（symbol）”。无论你是中国人、法国人还是德国人，无论你来自世界的哪一个角落，在我们的创作和表演中、在我们做的科学研究中，其实已经带有很多的“自身文化”的烙印。在我们看来，人们所带的文化属性，是他们身处大千世界、灵魂与骨血里的基本立足点。要对话未来，需立足当下。而当下多元化的、跨学科性的、及无限包容的文化属性显得愈发重要。作为艺术家，我们更要在无比丰富的包含多元文化的世界中找到自己的个性及定位。我们尊重每一位个体，更鼓励及帮助每一位个体开拓新颖视野、领略别样方式、寻找文化基因、塑造个性语言。这即是本次“对话未来”当代音乐周举办的重要意义，更是本次活动带给我们的最大启迪！
撰稿：王刊、王鲁琦、杨玺、杜牧天、徐嘉艺、陈芸萱、赵淑娴、史楚玥、万方怡
摄影：张姝婧
审编：王青青